EXPERIMENT
다이나믹한 동시대 미술 작업을 소개하고 부스 전시를 뛰어넘는 큰 규모의 설치작품, 퍼포먼스 및 장소특정적 설치미술의 전시를 독려하기 위해 갤러리들이 참여할 수 있는 특별전시 섹션을 마련합니다. 큐레이터로 구성된 심사위원단의 심사를 거친 작품에 대해 전시장 내 설치 공간을 제공합니다.

EXPERIMENT is a special project section to introduce a more dynamic and diverse range of contemporary art practices. At the same time, it encourages articipating galleries to exhibit large-scale installations, performances, and site-specific nstallations, expanding the boundaries of an art fair. The submitted exhibition proposals will be reviewed by ART BUSAN Organizing Committee and curator panels. The approved exhibitions will each be provided with the optimal space.
EXPERIMENT 1
오스틴리 Austin LEE
COURTESY OF PERES PORJECTS
EXPERIMENT 1
오스틴 리 Austin LEE
Courtesy of PERES PROJECTS, BERLIN, SEOUL, MILAN
미디어 아티스트 오스틴 리(b.1983)는 비디오, 회화, 사운드 작품으로 구성된 작가 특유의 설치작업을 만날수 있는데, 다학문적 작업 활동을 이어오는 작가의 최근 작업은 기술의 편재와 세상 속에서 인간의 존재가 기술로 인해 확대되고 변화하는 방식의 탐구를 포함한다. 그의 이미지는 가상 현실에서 먼저 형상화되어 성찰적 중심축을 구현하는 과정을 통해 가상에서 실제 세계로 전달된다. 권투경기를 하는 이미지는 이번 작가의 작품에 반복적으로 등장하는 요소로, 특히 설치 작업에서 권투 시합, 갈등, 스포츠와 관련된 주제를 보다 더 심도 깊게 탐구한다. 시합에 지친 권투 선수의 모습과 가쁜 호흡을 음향으로 구현한 사운드트랙이 전시에 생동감을 더한다. 설치 작업에는 갈등이 가져다주는 허무함과 평화를 갈망하는 노력에 대한 기대와 소망이 동시에 존재한다.
오스틴 리는 각 작업마다 새로운 도구를 실험하고 미디어를 통해 구성을 개발하는 일련의 구체화 작업을 한다. 펜과 연필부터 디지털 스케치, 가상 현실, 3D 프린팅 그리고 아크릴을 사용한 회화 작업에 이르기까지 작가는 물질적 요소와 디지털 기술을 넘나든다. 또한 이를 통해 인간의 역량과 경험이 기술에 의해 점차 더 확대되는 경험의 혼종성을 증명해낸다.

Austin Lee (b. 1983 in Las Vegas, US) will present a site-specific installation that consists of video, painting and a sound piece. Known for his multi-disciplinary practice, Lee’s recent work explores the omnipresence of technology and the ways it augments and shifts our being in the world. His figures, which are often drawn first in virtual reality, embody this self-reflective pivot, bringing the virtual into the physical world.
Imagery of boxing has recurred throughout Lee’s work, and in this installation the artist delves deeper into those associated themes of spectacle, conflict and sport. The installation depicts boxers who are exhausted from fighting and the soundtrack consists of their labored breathing. When encountering the installation, we can draw a metaphor for the futility of conflict as well as hope of learning to endeavour towards peace.
Each of Lee’s works is a materialization of process – testing and experimenting with emergent tools, he develops his compositions across media. From pen and pencil to digital sketches, virtual reality, 3D printing and hand painting acrylic on canvas the artist switches between physical and digital processes, attesting to the hybridity of our experiences as our capabilities and experiences become increasingly augmented by technology.
EXPERIMENT 2
이상수 Sangsoo LEE
Title: Flamingos
Courtesy of ART BUSAN Project
EXPERIMENT 2
이상수 Sangsoo LEE
Title : Flamingos
ART BUSAN NFT Project
"Drawing in the Air"
이상수의 플라밍고는 2차원의 캔버스 드로잉을 3차원의 공간속에 재현한 작업으로 양감을 가진 단순한 선을 통해 움직임과 감정을 가진 입체 조각 작품을 만든다.

"Drawing in the Air"
Sangsoo Lee’s Flamingo is an elaborate sculpture which contains the sense of movement. In order to do so, the artistadds a volume on thelinesfrom his drawing, then reproduces them inthree-dimensional space rather on plane canvas.
EXPERIMENT 3
구스타프 클림트 Gustav Klimt
Title: The Kiss NFT
Courtesy of Belvedere Museum Wien
EXPERIMENT 3
구스타프 클림트 Gustav Klimt
Title : The Kiss NFT
Courtesy of Belvedere Museum Wien
벨베데레미술관
오스트리아 비엔나 소재의 벨베데레 미술관에서는 3개 전시관을 통해 오스트리아 미술을 전세계에 선보이고 있다. 바로크 양식으로 건축된 벨베데레 상궁(Upper Belvedere)과하궁(Lower Belvedere), 벨베데레 정원은 유네스코 세계문화유산으로 지정되어 있다.중세부터 현대에 이르기까지 다양한 시대의 미술품들을 소장하고 있는 것으로 명성을얻고 있는 벨베데레 미술관에는 세계에서 가장 많은 24점에 달하는 클림트의 작품들을소장하고 있다. 뿐만 아니라 비더마이어(Biedermeier) 양식, 오스트리아 바로크 양식,1900년대 비엔나 양식, 프랑스 인상주의 시대의 뛰어난 작품들도 다수 보유하고 있다.벨베데레 미술관은 다양한 영역의 지속적인 발전과 디지털화를 통해 미래를 준비하는최고의 미술관으로 입지를 굳혀 나가고 있다.

About the Belvedere
Austrian art is presented in an international context at three locations of the Belvedere museum in Vienna. The Baroque complex of the Upper and Lower Belvedere and its garden is a UNESCO World Heritage Site. Its renowned art collection includes works ranging from the Middle Ages to the present day. And with 24 paintings by Gustav Klimt, the Belvedere possesses the world’s largest collection of his paintings. Other highlights include prominent works from the Viennese Biedermeier period, the Austrian Baroque, Vienna around 1900, and French Impressionism. Continued development and digitization in all areas will ensure the Belvedere’s status as an outstanding museum in the future as well.
EXPERIMENT 4
강재원 Jaewon KANG
Title: Swoosh
Courtesy of 021 Gallery
EXPERIMENT 4
강재원 Jaewon KANG
Title : PATTERN 2.
Courtesy of 021 Gallery, Daegu
강재원은 3d 프로그램 내에서 구, 실린더 등의 기본 입체 도형에 현실의 물리법칙들을 모사한 (Deformation)기능을 더해서 운동감이나 속도감을 지닌 조각들을 만들어왔다. Swoosh도 구에서 시작해 변형된 형태의 조각이다. 조절바를 통해 형태를 제어하며 변형시키다가 가장 마음에 드는 형태를 토대로 조각을 만들었다. 구성된 원리는 다르지만 형태적으로 문득 나이키의 swoosh로고가 떠올랐고, 내 조각에서도 ‘swoosh’ 처럼 대표성을 지닌 것을 만들고자하는 생각으로 동명의 제목을 붙였다. Swoosh는 높이 5m 폭 8m의 거대한 인플레이터블로 제작된 조각이다. 얼핏 단단한 금속 조각처럼 보이지만 봉제를 통해 원단을 이어 붙인 뒤 송풍장치를 통해 공기를 주입한다. 내부의 공기압으로 형태가 유지되지만 전원을 끄는 순간 형체를 잃는다.

Jaewon Kang has been creating sculptures with a sense of movement and speed by adding the functions copying the physical laws of reality (deformation) to basic three-dimensional figures, such as spheres and cylinders in a 3D program.
Swoosh is also a fragment of a deformed shape that started from a sphere. I made a sculpture based on the shape I liked the most while controlling and altering the shape through a control bar. Although they are composed of different principles, the shape suddenly reminded me of Nike's swoosh logo. I gave the sculpture the same title as the logo because I wanted to make my work represent something like the ‘swoosh’ logo. Swoosh is a sculpture made of a huge inflatable that is five meters high and 8 meters wide. At a glance, it looks like a solid piece of metal, but it is actually blown with air using a blower and has fabrics sewn to it.The shape is maintained by the air pressure inside. However, it loses its shape as soon as the power is turned off.
EXPERIMENT 5
강이연 Yiyun KANG
Title: ANTHROPAUSE
Courtesy of PKM Gallery
EXPERIMENT 5
강이연 Yiyun KANG
Title: ANTHROPAUSE
Courtesy of PKM Gallery
INFINITE 는 빛과 전기, 모션, 물성 간의 상호작용을 이용해서 끊임없이 변화하는 환경 안으로 관객을 개입시키는 작업이다. 공간의 중앙에서 회전하는 오브젝트에 프로젝션 영상이 투영된다. 이 스크린은 다양한 재질로 제작되어 부분적으로 빛을 흡수, 투과, 반사하는데, 이로 인해 투과된 영상과 반사된 빛들이 전체 공간에 맺힌다. 투사되는 영상은 지난 150 년 간의 대기중 이산화탄소 농도 증가량 데이터를 1분 45초로 압축, 반영하여 그 형태와 속도를 변화시키고, 이로 인해 끊임없이 변주하는 공간은 인간이 환경이 미친 영향을 암시한다. 이 작업은 우리는 무한한 상호작용의 피드백 안에서만 존재함을 표현한다.

INFINITE is a kinetic projection piece with a circular screen, which partially transmits, absorbs, and reflects light to fill in the entire space. It is hung from the ceiling, rotating at a constant speed. The moving image that is projected on the rotating screen continuously changes its form and speed based on the data that represents the exponential growth of atmospheric carbon dioxide concentration over the last 150 years. The resulting space that changes its appearance alludes to the changing environment driven by humanity.
EXPERIMENT 6
머스터 프로젝트 X 호반 문화재단
Muster Project X Hoban Cultural Foundation
EXPERIMENT 6
[머스터] 프로젝트
[Muster] Project x Hoban Cultural Foundation
아트부산은 2021년 1회 [머스터]프로젝트 [Muster] Project를 통해 국내최초로 아트페어에트러스를 설치하여 갤러리와 미술관에 버금가는 조명시스템을 선보였고 바닥은 우든 플로어링을 시도했다.그 결과 국내 유수의 아트페어들이 그 방법을답습하기에 이르렀다.올해 머스터프로젝트에는 호반문화재단의 소장품 일부를 작품에 가장 집중할 수 있는 천정과 프로파일을 통한 조명 시스템으로 소개한다.

호반문화재단은 2004년 설립되었으며 대중친화적인 전시로서 지역사회와 동시대 미술 흐름 안에서 유의미한 발자취를 남겨왔으며 2022년 아트스페이스 호화를 개관하여 대중들에게 예술작품 향유의 즐거움을 선사하고 있으며, 젊은 예술인의 작품활동을 돕는 창작 공간 지원 사업과 청년작가 미술공모전,발달장애 예술인 창작 지원사업인 예술 공작소운영등을통해 모두를 위한 예술을 지향하고 있다.

In 2021, Art Busan implemented the first [Muster] Project through which the event hall was installed with the first-ever truss at an art fair to achieve the lighting system displayed in the gallery and museum. Also, the floor of the art fair location was constructed with wooden flooring. As a result, prominent art fairs in Korea followed the method. The [Muster] Project is presenting the ceiling and lighting system using the profile to highlight the collection of Hoban Foundation shown at the art fair.

Hoban Foundation was established in 2004 to present exceptional exhibitions welcoming the public by which the foundation has left meaningful footprints in the community and contemporary art movement. ArtSpaceHohwa, opened in 2022, pursues ‘art for everyone' by sharing the value of art with more audiences and developing various projects inclusive of support plans for young artists by providing the space for creativity, an art contest for young artists, and an art workshop to assist artists with the developmental disorder.
EXPERIMENT 7
데이비드 호크니 David Hockney
Pictures at an Exhibition
Courtesy of GRAY Chicago, New York
EXPERIMENT 7
영국작가 데이비드 호크니는 20세기 가장 개성있고 영향력 있는 작품을 선보인다. 그의 경력 전반에 걸쳐 호크니는 특히 반복 제작과 접근성을 고려한 작업과정에 새로운 기술을 적극적으로 수용했다. 호크니는 3차원 사진과 모델링 소프트웨어를 활용하여 포토드로잉에서 사진과 그림을 결합했다. 이 작품에서 호크니는 여러시점의 합성을 통해 주마등같은 경험을 묘사했다. 기존 직선관점을 탈피한 그의 포토드로잉은 로스앤젤레스에 위치한 작가 작업실을 묘사하며 시간과 공간의 파노라마 감각을 제공한다

British artist David Hockney has produced some of the most vividly recognizable and influential works of the twentieth century. Throughout his career, Hockney has embraced new technologies in his practice, especially those developed with mass-use and accessibility in mind.
Hockney has turned to three-dimensional photography and modeling software to combine and advance both photography and painting in his photographic drawings. In these works, Hockney strives to replicate the kaleidoscopic experience of seeing through a composite of vantage points. Subverting traditional linear perspective, his photographic drawings offer a panoramic sense of time and space in their portrayal of the artist's Los Angeles studio.
EXPERIMENT 8
김보희 Bohie KIM
Title: Towards
Courtesy of GALLERY BATION
EXPERIMENT 8
김보희 Bohie KIM
Title : Towards
Courtesy of GALLERY BATON, Seoul
구상 풍경회화의 대가인 김보희는 동서양 회화의 전통양식에 대한 심도 깊은 분석과 체득 과정에서 성숙시켜온 고유의 기법을 통해 동양화의 동시대적 확장성에 대해 탐구해왔다. 식물, 정원, 바다와 그 주변 풍경 등 일상에서 관찰되는 자연의 미와순수함을 채색 수묵으로 섬세하게 표현해온 작가는, 서양화의 구도와 원근법을 수용하면서 묘사대상의 생동감과 상호간의 조화로움이 강조되는 동양화적 접근법의 유기적인 결합을 추구한다.

Kim Bohie, a painter of figurative art, continues to explore on bringing modernity to Korean painting through her exquisite visual languages that she has developed while researching the traditional styles of Korean and Western paintings. Kim Bohie's canvas, which delicately expresses the beauty and purity of nature closely observed in daily life such as plants, gardens, seas, and surrounding scenery, embracing the composition and perspective of Western painting, it embodies an organic combination of Eastern approaches that emphasize the vividness and harmony
EXPERIMENT 9
아트악센트 2022
ART ACEENT 2022: INTERVENTION
EXPERIMENT 9
Title : ART ACCENT 2022 INTERVENTION
Curated by Sunjoo JUNG
올해로 10 회를 맞이하는 «ART ACCENT 2022: INTERVENTION»은 지역 미술 활성화를 위한 아트 부산만의 청년작가 지원 프로그램으로, 80년대생 부산•울산•경남 지역의 레지던시 출신 작가 6 명의 실험적인 설치, 조각, 영상, 사진 작품 13 점을 선보인다.
전시명에 차용된 ‘INTERVENTION’은 통상적으로 과도한 행위의 위험성을 감지하고, 이를 중재하기 위한 주변의 개입을 의미한다.입구에위치한이창운의<편도여행>은 정형화된 오브제의반복적인 움직임과 현대인의 치열하고도 맹목적인 삶을 방관하는 사회구조를 차가운 메탈로 표현한다. 이번아트악센트2022 특별전에는 관객이 작성한 위로의 메시지가 담긴 포춘쿠키를 직접 투입함으로써, 기존의 수동적인 관계가 전복되는 참여형 신작을 선보일 예정이다.

«ART ACCENT 2022: INTERVENTION» welcoming the 10th anniversary in 2022 is the program organized to support young artists based in Busan with the objective to invigorate the local art industry. The event is showcasing 13 works of experimental installations, sculptures, media, and photographs by six artists born in the 1980s and registered in local residencies located in the Busan, Ulsan, and Gyeong-Nam areas.
The term ‘INTERVENTION’ used in the exhibition title connotes the external interference for arbitration upon perceiving the risks of general inordinacy. Located at the entrance is <One-way Trip> by Chang-Un Lee which incorporates the repetitive movement of a stereotypical object and uses cold metal to represent the modern social structure in which people remain mere spectators to a competitive and unconditional life. This Art Accent 2022 special exhibition presents the interactive work by arranging fortune cookies that contain messages of consolation written by audiences to overturn the established passive relationship.
EXPERIMENT 10
제임스 터넬 James Turrell
Title: Casto (White)
Private Collection
EXPERIMENT 10
제임스터넬 James Turrell
Title : CATSO (White)
Private Collection
터렐은 심리학,수학의 지적인 기반을 바탕으로 자연의 빛과 인공의 빛을 사용해 신비로움을 더한 사색적이고 명상적인 분위기의 빛 설치 작품을 건축 공간과 결합시켜 인간과 우주에 대한 통찰을 보여주고 있다.특히 그는 안도 타다오,렌쪼 피아노 등 세계적인 건축가들과의 빈번한 공동 작업을 통해 건축과 결합한 명상적인 빛 예술의 새로운 극치를 보여줬다.그의 작품은 인공적이며 수학적이기까지 한 라이트-인스톨레이션이라는 미니멀한 공간 속에서 관람자로 하여금 내면을 들여다보게 만드는 명상의 공간 그 자체로 존재한다.터렐은 “나는 본다는 것에 의식적으로 깊이 빠져들어 갈 수 있는 분위기(atmosphere)를 만들어내고자 하는 것이다.그것은 마치 타오르는 불을 가만히 들여다보면서 하게 되는 일종의 무언의 사색과 같은 것이다.” 라고 말한다.터렐의 빛은 더 이상 물리적인 빛이 아니다. 그의 빛은 신비롭고, 초월적인 빛의공간을 만들어내고,이는 다시 일종의 우주속에서의 유영과 같은 직접적인 신체 경험을 유도하고 시각에 작용토록 함으로써 자기 자신을 바라보고 (Seeing ourselves)강한 영적 깨달음에 이르도록 한다.

James Turrell incorporates both natural and artificial lights engaging with dialogues surrounding the disciplines of psychology and mathematics to elevate the light installations integrated with the architectural space creating a meditative ambiance with a mysterious dimension that highlights Turrell’s insight into mankind and the universe. Turrell frequently collaborated with globally renowned architects like Ando Tadao and Renzo Piano with whom Turrell expanded the boundaries of the meditative light installation integrated with the architecture. His light installation constructed with a minimal space is artificial yet mathematical and its meditative space invites audiences to experience an introspective moment. Turrell said “I want to create an atmosphere that can be consciously plumbed with seeing. …like the wordless thought that comes from looking in a fire,” Turrell has said. The light goes beyond its physical state to Turrell. His light manifests a mysterious, and transcendental space of light that inspires a direct bodily experience of drifting in the universe and draws forth intense spiritual enlightenment by enabling audiences to see themselves upon bringing the cosmic experience to our vision.
EXPERIMENT 11
백남준 Nam June Paik
Title: I Never Read Wittgenstein
Private Collection
EXPERIMENT 11
백남준 Namjune PAIK

Title : I Never Read Wittgenstein
Private Collection
백남준은 도쿄대학에서 미학, 음악과 미술사를 공부한 후 독일로 건너가 1959년 부터 실험적인 아방가르드 퍼포먼스를 선보이면서 '해체주의 예술가’로 서명성을 얻기 시작했다. 비디오아트는 텔레비전의 정보 지배를 해체하고 그로 인해 비롯되는 사회 병리를 타파하려는 저항정신에서 출발한다. 백남준은 국제적 아방가르드 플럭서스 운동의 독보적인 인물로서, ‘플럭서스’가 주창한 무정부주의적 사고와 반미학적 철학을 바탕으로 비디오아트에 접근했다. 그는 반(反)미학적 전위운동 성격을 띠며 관객참여를 예술주제로 삼고, 소통을 통해서 대중으로부터의 고립을 거부하는데목적이 있다. 이러한 그의 신념은 그의 작품 <나는 비트겐슈타인을 읽지 않는다 I Never Read Wittgenstein>에서 반영되어 있다. TV 조정 화면을 연상시키는 7가지색상으로 작품으로 소통하고자 하는 그의 의도가 내포되어 있다. 백남준은 비트겐슈타인의 '말할 수 없는 것은 침묵해야 한다.’는 명제에 이의를 제기하며 말할 수 없는 것 조차 예술로 표현할 수 있다고 주장했다.

Paik studied aesthetics as well as music and art history at the University of Tokyo before moving to Germany, where he started to gain fame as the “Destruction Artist” in his avant-garde experimental performance from 1959. Video art begins with the spirit of resistance to dismantle the informational dominance of television and to overcome the social pathology it causes. As a member of the international avant-garde Fluxus movement, Paik approached video art with the anarchist thinking and anti-aesthetic philosophy advocated by Fluxus. His seeking for anti-aesthetics was aimed at making audience participation the subject of art and rejecting isolation from the public through communication. This idea can be found in his work I Never Read Wittgenstein. With seven colors reminiscent of a TV test pattern, the work contains his intention to communicate through art. Opposing Wittgenstein’s proposition, “What we cannot speak about we must pass over in silence,” Paik argues that what cannot be uttered can be portrayed through art.

Text Courtesy of Tang Contemporary Art and Yonni Park
EXPERIMENT 12
ART BUSAN NFT Project
EXPERIMENT 12
Title : ARTBUSAN NFT Project
Curated by Hongchul BYUN, Juno SEO
2022아트부산은 블록체인기술로 디지털 작품의소장과 거래 방식을 혁신한 ‘NFT(대체불가능토큰)아트’의 확장성과 잠재력을 담아내는 특별전<아트부산NFT프로젝트>를 선보인다.최근 세계 미술시장의 새로운 추동력으로 부상한NFT 아트는 국내에서도 디지털 문화에 친숙한 MZ 세대 컬렉터를 유입하며 거스를 수 없는 흐름으로 자리잡고 있다. 2022 아트부산은 현대미술과 디지털 아트를수용해온 전통적 컬렉터까지 이 흐름에 가세하고 있는 상황에 주목했다.아트페어의 테마를 확장하고 컨텍스트를 제공하는 데 그치지 않고 자산 가치와 예술성을 겸비한 미술품에 대한 전문화된 서비스가 요청되고 있다. 카카오 자회사 ‘그라운드 엑스(GROUND X)’의 디지털아트 플랫폼‘클립드롭스(Klip Drops)’와 손잡고 특별전 <아트부산NFT 프로젝트>를 기획한 이유다. 2022 아트부산의 특별전<아트부산NFT 프로젝트>는 ’NFT어워즈’공모전과 ‘NFT 아트랩’ 두개의 프로그램으로 구성된다.

ART BUSAN 2022 presents a special exhibition by embracing the scalability and potentiality of ‘NFT (Non-Fungible Token) Art,’ which innovated the way to store digital art works and trade them with blockchain technology. NFT art has recently revitalized the global art market and has become a new trend in enjoying art with the joining of domestic MZ generation collectors who familiar with digital culture. ART BUSAN 2022 noted the fact that even traditional collectors are more likely to join this trend. Therefore, a specialized service which consider both asset value and artistry of the art works is being requested. This is why , the special exhibition, was planned with cooperation of NFT art platform ‘Klip Drops’ of ‘Ground X,’ which is the subsidiary of ‘Kakao’. consists of two programs: the ‘NFT Awards’ contest and the ‘NFT Art Lab’.
EXPERIMENT 13
장 푸르베 Jean Prouvé
Title: Jean Prouvé : 6x6 Demountable House
Courtesy of HENRY BEGUELIN e L993
EXPERIMENT 13
장 프루베 Jean Prouvé
Title : 6x6 하우스 / Jean Prouvé : 6x6 Demountable House
Courtesy of HENRY BEGUELIN e L993
<6x6 Demountable House>는 세계 2차대전 이후 폭격으로 인해 폐허가 된 도시에서 전쟁 유랑민들의 주거문제를 해결하기 위해 고안한 조립식 주택이다. 가구부터 집까지 모든 것을 휴대할 수 있어야 한다는 프루베의 신념을 담아 운반과 조립, 해체가 용이하고 저비용으로 지을 수 있도록 설계된 이 임시 가옥은 유목 건축의 발전에 중요한 역할을 했다. 당시 생산된 약 400개의 주택 중에서 현재는 매우 소수만이 완전한 형태로 남아있다.

<6x6 Demountable House> was designed to rehouse homeless war victims in Lorraine and Franche-Comte after bombings in 1944. The house was designed to be easily transported and rapidly assembled on any flat surfaces and, if need be, demounted and moved elsewhere. Around 400 houses were built in 1944 and only a few remain in its complete form.
EXPERIMENT 14
정혜련 JHR
Title: Project US2
Courtesy of accompany
EXPERIMENT 14
정혜련JHR
Title :Project US2
Courtesy of accompany, Busan
JHR(정혜련)의 US2 프로젝트는 가상의 공간 속 좌표 값에 의해 생성된 생명체에 관한 이야기이다. 작가는 이번 프로젝트를 통해 가상 현실 공간 속에서 예술이 어떤 의미와 방식으로 전환 될지에 대한 질문하고 있다.

Artist JHR’s the US2 project is a story about the life forms created by the coordinate values within virtual space. The artist is asking by what meaning and method will art transition within the space of virtual reality.